Oliver Sin
Oliver Sin est un artiste, illustrateur et professeur basé à San Francisco (Californie). Diplômé de l’Academy of Art University avec un BFA en illustration, il débute sa carrière en 1996 comme concept artist chez LucasArts.
Depuis 2001, il enseigne dans son alma mater au sein de la School of Fine Art and 2D Animation, où il transmet son savoir avec passion.
Son lien avec le dessin remonte à l’enfance — il commence à dessiner à l’âge de trois ans — et le portrait s’impose très tôt comme sa forme d’expression privilégiée, à la fois pratique artistique et plaisir personnel.
Oliver est l’auteur du livre Drawing the Head for Artists (Rockport Publishers, 2019), traduit en espagnol, néerlandais et allemand. Son premier DVD pédagogique, Portrait Drawing Simplified, a été publié par Streamline Publishing en 2022.
Ses œuvres ont été saluées à l’international : deux de ses portraits ont fait la couverture du magazine TIME dans le numéro spécial « 100 Women of the Year » (mars 2020). En 2021, son portrait au fusain de son père a remporté le Premier Prix du dessin lors du concours international de la Portrait Society of America.
L’année suivante, il a reçu le Titre Signature de la Portrait Society of America, en reconnaissance de l’excellence constante de son travail dans le domaine du portrait d’art.
Oliver Sin is a fine artist, illustrator, and professor based in San Francisco, California. A graduate of the Academy of Art University with a BFA in Illustration, Oliver began his professional career in 1996 as a concept artist at LucasArts.
Since 2001, he has been teaching at his alma mater, where he is now a professor in the School of Fine Art and 2D Animation. His passion for art began early — he started drawing at the age of three — and portraiture quickly became his lifelong form of expression, both as an educator and as a personal pursuit.
Oliver is the author of Drawing the Head for Artists (Rockport Publishers, 2019), now available in Spanish, Dutch, and German editions. His instructional video Portrait Drawing Simplified was released by Streamline Publishing in 2022.
His work has received international recognition: two of his portraits were commissioned for the cover of TIMEMagazine’s “100 Women of the Year” issue (March 2020). In 2021, his vine charcoal portrait of his father won First Place in Drawing at the Portrait Society of America International Art Competition. The following year, he was awarded Signature Status by the Portrait Society of America, in recognition of his consistent excellence in fine art portraiture.
Danny Ferland
Né à Québec en 1975, Danny Ferland découvre très tôt la peinture et le dessin aux côtés de son père, lui-même artiste peintre.
Durant son adolescence, il privilégie l’art imaginaire, inventant des personnages et des univers issus de son imagination, désireux de préserver la spontanéité de la création sans dépendre du monde visible.
Au début de la vingtaine, il revient au dessin et à la peinture d’observation. Soucieux de mieux comprendre l’anatomie et les principes transmis par les grands maîtres, il entreprend une formation approfondie à la Janus Collaborative School de New York. Cette période d’étude, marquée par une amitié durable avec ses professeurs, enrichit profondément sa pratique artistique.
En quelques années, ses formations et participations à divers concours lui valent la reconnaissance de ses pairs et la réputation d’un portraitiste au talent affirmé.
En 2017, il rejoint la Paris Academy of Art, une étape décisive qui consolide sa carrière internationale déjà bien engagée.
Aujourd’hui, Danny anime de nombreuses classes de maître à travers le monde. Le partage des connaissances, la rencontre artistique et l’échange d’idées sont devenus des éléments essentiels de sa démarche.
Born in Québec in 1975, Danny Ferland was introduced to painting and drawing at a very young age by his father, who was himself a painter.
During his adolescence, he devoted himself to imaginative art — inventing characters and scenes from his own imagination — seeking to preserve the freshness of artistic creation without relying on direct observation of the visible world.
In his early twenties, he returned to observational drawing and painting, recognizing the importance of studying anatomy and the techniques of the Old Masters. His pursuit of knowledge led him to the Janus Collaborative School in New York, where he developed a lasting friendship with his instructors and deepened his artistic understanding.
Within a few years, his training and participation in competitions earned him recognition among his peers and established his reputation as a skilled portraitist. In 2017, Danny was appointed to a coveted position at the Paris Academy of Art, further supporting his expanding international career.
Today, he conducts numerous masterclasses each year and continues to share his expertise with artists around the world. Teaching, exchanging ideas, and connecting through art remain central to his practice.
Costa Dvoresky
Costa a puisé son inspiration dans Les nombreuses œuvres d’art découvertes lors de ses voyages et de ses nombreuses expériences dans de nombreux pays à travers le monde. Né en Russie en 1968, Costa a développé son style artistique unique grâce à une formation intensive à l’Art College et à l’Académie des Arts de Moscou. Sa passion pour l’art et son talent ont été reconnus par l’Union des Jeunes Artistes de Russie lorsqu’il a reçu le prix du Développement de l’Année en 1997.
À travers ses peintures, Costa va au-delà de l’évidence pour découvrir la symbolique de l’humain dans ce qu’il a de plus quotidien. Sa créativité et son style prennent vie à travers des œuvres parfois sombres et à tendance surréalistes. En regardant les images de Costa, on est transporté dans un monde aux proportions imaginaires tout droit sortis de l’esprit de l’artiste.
Des figures humaines et animales métamorphosées, enveloppées de ténèbres, suggèrent l’existence d’un ordre mondial déformé. Ces images incitent à examiner de près et à remettre en question la réalité de ce que l’on voit. À travers ses œuvres, Costa met l’observateur au défi de comprendre non seulement la portée de l’image elle-même, mais aussi les sentiments qu’elle suscite. Ses peintures sont aussi audacieuses que les déclarations qu’elles véhiculent, et il appartient à chacun de déchiffrer la véritable signification de l’image.
L’art de Costa a acquis une reconnaissance internationale. Il a été présenté dans de nombreuses expositions privées et publiques sur la scène européenne et nord-américaine, et a été vendu à de nombreuses collections privées en Europe, aux États-Unis et au Canada.
Costa has drawn inspiration for his prolific works of art from board travels and his abundant life experiences as both a visitor and resident of numerous countries around the world. Born in Russia in 1968, Costa developed his unique brand of art through his extensive schooling at the Art College and the Academy of Arts in Moscow. His passion and talent for art was recognized by Russia’s Union of Young Artists when he received the Development of The Year Award in 1997.
Through his paintings Costa goes beyond the obvious to uncover the symbolism within the human aspect of daily life. His creativity and style come alive through his works depicting dark and surreal imagery. As a viewer of Costa’s images, one is transported to a world of fictional proportions that exists in the recesses of the artist’s mind.
Metamorphosed human and animal figures shrouded in darkness, suggest the existence of a distorted world-order. These images evoke one to closely examine and question the reality of what one sees. Through his artwork, Costa challenges the observer to not only understand the scope of the actual image, but to also comprehend the feelings that the image provokes. His paintings are as bold as the statements that they make, and it is up to each individual to decipher what the meaning behind the image really is.
Costa’s art has achieved international recognition. It has been featured in many private and public exhibits on European and North American stage, and has been sold to many private collection in Europe, the United States and Canada.
Martin Campos
Arcenio Martin Campos a étudié les arts plastiques à la New Mexico State University, l’histoire de l’art à l’University of New Mexico, et a obtenu un Certificate of Painting à la Pennsylvania Academy of Fine Arts.
Il a commencé à dessiner dès l’enfance, et a complété sa formation artistique par une étude indépendante approfondie et des cours particuliers centrés sur la figure humaine.
M. Campos a débuté sa carrière d’enseignant en donnant des cours de dessin d’après plâtre alors qu’il vivait encore au Nouveau-Mexique. Il a ensuite donné des conférences sur l’anatomie, le dessin et la peinture de la figure, et animé des groupes de dessin d’après modèle vivant à Albuquerque comme à Philadelphie. Son travail a reçu de nombreux prix et a été exposé à travers les États-Unis et à l’étranger, notamment lors d’une exposition personnelle à Paris.
M. Campos a enseigné à la Pennsylvania Academy of Fine Arts, à la Washington Studio School, au Fleisher Art Memorial, au Winslow Art Center et au Wayne Art Center. Il donne actuellement des ateliers en ligne et propose des cours sur les plateformes Kara Bullock Art School et Art Digger Lab.
Il a également dirigé des ateliers sur site aux États-Unis, en Europe, en Afrique du Sud et en Nouvelle-Zélande.
Arcenio Martin Campos studied Studio Arts at New Mexico State University, Art History at the University of New Mexico, and earned a Certificate in Painting from the Pennsylvania Academy of the Fine Arts.
He began drawing on his own as a child, and much of his fine art education came through independent study and private instruction focused on the human figure.
Mr. Campos started his teaching career in New Mexico, where he taught cast drawing classes. Since then, he has lectured on anatomy, figure drawing, and painting, and has facilitated open figure drawing sessions in both Albuquerque and Philadelphia. His work has received numerous awards and has been exhibited throughout the United States and internationally, including a solo exhibition in Paris.
He has taught at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Washington Studio School, the Fleisher Art Memorial, Winslow Art Center, and the Wayne Art Center.
Mr. Campos currently teaches online workshops and offers courses through the Kara Bullock Art School and the Art Digger Lab. He has also led on-site workshops across the United States, Europe, South Africa, and New Zealand.
César Meza
Né à León, au Mexique, en 1988, César Meza manifeste très tôt un intérêt pour le monde et l’expérience humaine à travers le dessin et la peinture. Il commence sa formation à la University of Guanajuato en arts visuels, tout en se spécialisant en conservation et restauration d’œuvres d’art. Ses projets incluent la restauration de peintures du XVIIIᵉ siècle, de sculptures métalliques du XIXᵉ siècle, ainsi que la conservation d’éléments architecturaux historiques, et plus récemment le traitement d’un fragment de fresque du Ier siècle provenant d’Herculanum et de Pompéi.
César poursuit sa formation artistique au Grand Central Atelier à New York, auprès de Jacob Collins, Colleen Barry et d’autres. Il reçoit plusieurs bourses de mérite et devient ensuite artiste résident et membre de l’équipe pédagogique. Il est aujourd’hui fondateur et directeur de son propre atelier privé à Mexico.
Son œuvre se consacre à l’art classique et à la représentation naturaliste de la figure humaine et de la nature, alliant maîtrise technique et quête contemplative de beauté et d’harmonie.
Born in León, Mexico, in 1988, César Meza developed an early interest in the world and the human experience through drawing and painting. He began his formal studies at the University of Guanajuato in visual arts, alongside training in art conservation and restoration. His projects include the restoration of 18th-century paintings, 19th-century metal sculptures, and historic architectural elements, as well as recent conservation work on a 1st-century fresco from Herculaneum and Pompeii.
César furthered his artistic education at the Grand Central Atelier in New York, studying under Jacob Collins, Colleen Barry, and others. He received several merit scholarships and later served as resident artist and instructor at the Atelier. He is now founder and director of a private studio in Mexico City.
César Meza’s work is dedicated to classical art and the naturalistic representation of the human figure and nature, combining technical excellence with a contemplative search for beauty and harmony.
Lucas Bononi
Né à Los Angeles en 1991, Lucas Bononi manifeste dès son plus jeune âge un intérêt marqué pour la peinture et le dessin. Après une formation initiale en Californie, il poursuit ses études à Florence et à Buenos Aires, avant d’obtenir en 2016 un Bachelor of Fine Arts en peinture à l’Academy of Art University de San Francisco.
La même année, son œuvre Consolidation est acquise par le collectionneur Fred Ross lors de son exposition au European Museum of Modern Art (MEAM) de Barcelone. Installé à New York, Bononi approfondit ensuite sa pratique à la Grand Central Atelier et à l’Art Students League, consolidant un langage pictural fondé sur la maîtrise technique et l’exploration expressive.
Son travail a été présenté dans plusieurs galeries américaines, notamment Arcadia Contemporary à Los Angeles et Haynes Galleries, et a fait la couverture du magazine American Art Collector en 2019.
Ses expositions récentes comprennent The Forest (Sugarlift Gallery, New York, 2022), une participation à Art Basel Week (Miami, 2023) et sa première exposition personnelle en Russie, Nature of Light (Art Centre Exposed, Moscou, 2025).
L’œuvre de Lucas Bononi explore la rencontre entre naturalisme et expressionnisme, interrogeant la relation entre la figure humaine, la lumière et le monde naturel.
Born in Los Angeles in 1991, Lucas Bononi demonstrated a strong interest in painting and drawing from an early age. After initial studies in California, he continued his artistic education in Florence and Buenos Aires, earning a Bachelor of Fine Arts in Painting from the Academy of Art University in San Francisco in 2016.
That same year, his painting Consolidation was acquired by collector Fred Ross during his exhibition at the European Museum of Modern Art (MEAM) in Barcelona. Based in New York, Bononi further developed his practice at the Grand Central Atelier and the Art Students League, refining a pictorial language rooted in technical precision and expressive exploration.
His work has been exhibited in several American galleries, including Arcadia Contemporary in Los Angeles and Haynes Galleries, and appeared on the cover of American Art Collector magazine in 2019.
Recent exhibitions include The Forest (Sugarlift Gallery, New York, 2022), participation in Art Basel Week (Miami, 2023), and his first solo exhibition in Russia, Nature of Light (Art Centre Exposed, Moscow, 2025).
Lucas Bononi’s work explores the intersection of naturalism and expressionism, examining the dialogue between the human figure, light, and the natural world.
Shane Wolf
Aujourd’hui nous regardons avec fascination, dans l'œuvre de Shane WOLF, un sujet—bien plus qu’un objet - pourtant très familier : le corps, notre corps. Nous-même.
Devant les œuvres de Shane WOLF nous comprenons d’évidence toute la force de plusieurs siècles de culture picturale. Le style du peintre s’inspire du classicisme vénérant la beauté et l’équilibre. Il s’inspire tout autant d’un geste très contemporain qui donne un tour féroce à la chair contorsionnée. Ces deux éléments semblent s'opposer ; pourtant ils se rejoignent intimement.
La présence réelle des corps s’impose avec puissance et vérité. Il semble que la peinture ne soit plus ici une simple représentation, mais une part du réel mise à notre portée. Et que nous côtoyons réciproquement en tant que spectateur. Le fait que Shane WOLF peint uniquement d’après des modèles vivants - usage millénaire pourtant devenu très rare chez les peintres contemporains - est l’essence même de ce réalisme.
Il y a ainsi dans les tableaux de Shane WOLF quelque chose d'une volonté « baroque » justement induite par la grandeur des figures. Dans des perspectives élégantes et des contre-plongées habiles, le spectateur est mis au cœur de son œuvre. Car toutes ses intentions, qu’elles soient techniques ou « dramatiques » servent le même objectif : saisir le spectateur et l’attirer tout entier.
Shane Wolf is a direct heir of the momentous turning point in Art that was the Italian Renaissance: the representation of the human body in all its realism and glory. Through him, we can clearly grasp the might of several centuries of pictural heritage. The painter’s style is inspired by both academic classicism that venerates both beauty and poise as well as inspiration from a very contemporary posture that conveys a ferocious twist to contorted flesh.
Movement contributes equally to his realism, and imbues his painted bodies with life. With no other painter does the word “dance” so spontaneously spring to mind: a sumptuous rhythm emerges, commanding the body to step back before returning in a powerful surge to the stage that is before our eyes.
There is something magical that gives life and such striking presence to Shane's works of art. His paintings no longer appear to be just a simple representation, but part of a unique reality placed within our grasp. This realism is epitomized by the fact that Shane only paints from live models – a millennia-long tradition that has become very rare amongst contemporary artists. In his own words, "Working from Life should be priority number one. Everything else flows from there."